Ágora (Metáforas del Círculo)

VALORACIÓN















Cualquier aspirante a ser un gran artista corre el riesgo de tropezar con su propio cúmulo de imágenes. La acción precede al valor, la maestría (o la autoría, o la consagración, sea lo que sea) hay que ejecutarla, nunca invocarla con un sueño querido como algo real. Ágora es el sueño de Alejandro Amenábar - evidencia que no discuto - demostrado en la forma de introducirnos en la antigüedad. El buen trabajo realizado por los responsables de la dirección artística le permite recrearse en el plano general que recoge postales de historia antigua, pero situando el movimiento de partida en el espacio exterior y en la imagen del sol, la cual representa un elemento filosófico clave en la evolución psicológica de Hypatia: el Círculo. La narración, de hecho, parece sostenida en una progresión que comienza en el círculo ideal y concluye en la comprensión empírica del movimiento terrestre alrededor del sol. La revelación de la elipse es, por un lado, un paso trascendente en la historia del conocimiento y, en otro nivel de significado, la resolución del éxito personal de Hypatia en un estado de intereses geopolíticos - los verdaderos instigadores de la religión como instrumento de control social - que van a destruir todo el esfuerzo realizado por esta mujer de nobles ideas. Todas las artimañas del poder contra la razón y la libertad de un individuo. El plano final capta la imagen del cuerpo fenecido de Hypatia a través del círculo de una bóveda. La obsesión por el Círculo es tal que incluso Amenábar arriesga trazando - en la escena del saqueo de la biblioteca de Alejandría - un desconcertante plano-secuencia que nos muestra los papiros desechados al vuelo y superpuestos a los ventanales de la cúpula. Luego sigue descendiendo hasta invertir la visión de la lente, con lo cual vemos el terraplén del recinto y al grupo de saqueadores bocabajo, y así dibuja con su cámara un círculo completo. En una secuencia posterior filma a los saqueadores desde una perspectiva cósmica mediante la aceleración del movimiento registrado en el plano cenital, como un Dios que observa las tragedias de la humanidad desde su particular orden temporal, para luego enfocar los rostros y las acciones a modo de telefilme. Cúmulo caótico de perspectivas y falta de un criterio consistente a la hora de elaborar su lenguaje. Siendo el círculo un elemento temático principal tanto en la idea como en la misma técnica, dicha secuencia es un caprichoso alarde de preciosismo sin complejos, lo cual no le exime de la exigencia de claridad en la expresión. Y es que en Ágora, en resumidas cuentas, todo habla de lo mismo y se fundamenta en el círculo como metáfora visual: la esfera del globo terrestre, la del sol, la de las cúpulas y bóvedas de Alejandría, y la actualidad de la problemática religiosa enunciada, la cual nos remite a una trágica Historia de nuestra civilización que parece repetirse siguiendo un orden circular.


A pesar de la trascendencia de su construcción temática, los personajes palidecen entre tanta ínfula metafórica y tanta lección de Historia y Filosofía. Hypatia es un personaje maravilloso por los enunciados que pronuncia (simplemente la arenga de un guionista desbocado en su proyecto, y que no ha sabido esconder la mano y realizar a sus personajes) pero no deja de ser un cliché en manos del tema a exponer, de ahí que su intrincado mundo intelectual y emocional no llegue a conectar con la formación y la sensibilidad del espectador. En el caso de los personajes secundarios, la fuerza dramática de sus acciones y de sus palabras no encuentra una expresión efectiva por causa de unas interpretaciones mediocres, cuando no de una nulidad más que evidente. Es por todo ello por lo que - al final - Ágora resulta en un cúmulo de imágenes desprovistas de un latido humano que le haga justicia a su propio discurso humanista. Solo queda la técnica que retrata un paisaje y unos perfiles referidos a los lugares comunes surgidos al enfrentarnos con la intolerancia.




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REC 2 ( ¡Graba la oscuridad! )

VALORACIÓN
















Con esta segunda grabación Balagueró y Plaza han querido llevar el artificio hacia su terreno particular, el de las sombras explícitas (un escueto juego fotográfico) que ellos convierten en la textura del mal. Ya vimos cómo en Darkness utilizaron los claroscuros para fabricar el discurso y la tensión dramática, ambas el instrumento que nos habla de un temor-atracción ante la maldad. Al escribir sobre REC - y definir el criterio a partir del contraste con Blair witch project - ya hemos dejado claro que somos poco partidarios del esteticismo hiper-realista que convierte la fantasía en una exhibición de sensaciones. Si nos referimos a la técnica, entonces el mérito estaría en la capacidad de generar perspectivas a través de la subjetivización. Porque el horror no necesita de la “cámara al hombro” para que la sensación nos trastorne y el relato se desarrolle con esa permanente inquietud. La metalinguística, en estos casos, es una excusa barata. El exorcista, sin ir más lejos, es de un realismo atroz, sin cámara al hombro y sin contemplaciones a la hora de abordar tanto lo demoníaco como la construcción de personajes.

En REC 2 el dispositivo de pantalla es el que estructura la narración, esta vez dinámica e imprevisible al jugar con la perspectiva de cada uno de los GEOs que entran en el edificio donde transcurre la acción principal. El temor a lo desconocido - representado mediante el dispositivo que utilizan sus compañeros - se conjuga con la imagen reflejada en el espejo del policía atrapado en una de las habitaciones, al borde del suicidio ante la presencia de los zombis que acechan desde un ángulo del campo visual. En esos momentos, la técnica se vuelve invisible y pasa a ser, de facto, la construcción semántica sobre el terror, el Mal y, por ende, el homenaje a un subgénero cuyos perfiles solo pueden ser revitalizados con esta mirada innovadora. De paso, ironiza - llevando la ironía hacia un brutal sarcasmo - con esa democratización de la pantalla: el grupo de adolescentes que se introduce en el edificio animados por la idea de grabar algo excepcional y que terminarán siendo poseídos después de sobrevivir a las secuencias más violentas del filme. Dura reprimenda y jocosa cinematografía como respuesta ante la búsqueda del morbo y el protagonismo por parte de cualquier panda de niñatos con una cámara registradora a su alcance. Este brillante juego clarifica definitivamente su significado cuando la visión nocturna de la cámara (en las últimas secuencias) se convierte en la perspectiva que revela la presencia del Mal en la Oscuridad, terreno que le es inherente y sobre el que Plaza y Balagueró han basado su condición de autores en este ejercicio concreto. La técnica, por tanto, articula la psicología del personaje que graba con las sombras que son el propósito final de la acción. Ese escenario representado mediante las imperfecciones del registro, la dislocación de la imagen por causa de los golpes o movimientos bruscos, el ralentí en momentos de máxima tensión así como la distorsión cromática, y el registro borroso en la espectral reaparición de Manuela Velasco desde el fondo de un pasillo a modo de presagio e indicativo de cómo el Mal ya ha ganado la partida. La grabación es la única representación posible para este escenario del que surgen las sensaciones, los referentes y el mensaje. No se puede pedir mucho más.

Re-edit: REC (la grabación es el mensaje)

VALORACIÓN
















Otra inmersión en el mito de la “pérdida del alma” que tantos miedos subconscientes remueve en el ser humano, temeroso de degenerar hasta perder la humanidad, y que en la cultura cinéfaga ha tomado la forma del zombi. El fondo es siempre el mismo, aunque la excusa argumental varíe y pueda recorrer temáticas que van desde la ciencia ficción a la religión o la ínfula sociológica. La propuesta de Balagueró y Plaza alude a más de un motivo pero, no obstante, la intención de los autores no es construir una parábola sobre la psicosis colectiva post-11s, sino un ejercicio de horror al que nos aproximamos mediante la telerealidad. El resultado es un registro de sensaciones permanente y unidimensional, y en el cual la búsqueda del realismo termina por revelar el plúmbeo artificio que queda más allá de los escalofríos. Cine de sensaciones con pasajes cargados de un horror turbio e insano que se presta a ser confundido con un inexistente humor negro. La mirada de Balagueró y Plaza consigue crear una atmósfera trágica y sórdida, dejando la distensión para cuando se centra en el retrato costumbrista y en la alusión - de pasada - a ciertos vicios y creencias del ciudadano español.


Grábalo todo Pablo, por tu puta madre. El registro es el mensaje que nos habla del gusto por crear y la necesidad de poseer la realidad a través de los dispositivos modernos, utilizando el terror como perfecto reclamo para el espectador de nuestros días, consciente de esa democratización de la imagen y del cine. Pero todo esto ya lo sabíamos por vía de la telerealidad y de la experiencia cotidiana. Es por ello por lo que la metalingüística aquí resulta eficiente como vehículo para generar sensaciones, pero prescindible desde un punto de vista narrativo: siendo la completa subjetivización de la obra la perspectiva que la define- si Pablo deja de grabar, los hechos ya no pueden ser conocidos, tal y como ejemplifican las elipsis, cuando la cámara se apaga - aquella no constituye su razón de ser, puesto que esa misma obsesión o necesidad de registrar los hechos pudo tener la representación idónea utilizando un punto de vista alterno. En ningún caso se pone aquí en duda la efectividad de la realización de Plaza y Balagueró a la hora de crear una meritoria experiencia del horror, sino indicar que, al fin y al cabo, el truco esteticista prevalece sobre la expresión contundente que despliega todo su potencial.


*Repasemos el modelo desarrollado en "Blair witch project": ...en la que los contenidos y la exposición mediante permanente cámara subjetiva son partes complementarias. La película empieza con una exposición - a modo de documental - sobre las leyendas rurales en torno a brujas y espectros. Esto, visto a través del ojo de la cámara que - en este caso - es la mente y los ojos de los tres muchachos, determina y explica la sugestión fraguada a partir del posterior sentimiento de desamparo. La chica, Heather, sostiene la principal carga dramática, y es conmovedora - como muchos espectadores atestiguaron, incluso los más reacios - la secuencia en la que reitera la idea de culpa y pide perdón. El sentimiento de culpa es un tema relevante en el relato, y la forma en que los tres pretenden responsabilizar al prójimo sigue un patrón progresivo muy acorde con el trazo real de las relaciones humanas.

En "Blair witch project" el artificio es inherente a la construcción semántica desarrollada, ya que la única forma de representar los estímulos del miedo (el tipo específico de estímulos y la semántica consecuente) es situar al espectador en la mirada desorientada de los protagonistas.

*Artículo original, 2-12-2007: http://imgenesypalabras.blogspot.com/2007/12/el-proyecto-de-la-bruja-de-blair.html